Leviticus: cuando el amor es más aterrador que el monstruo
Hay películas que te sacuden. Salís del cine, caminás por la calle y la cabeza sigue ahí, en es universo del film que te atrapo por más de hora y media. Eso pasa con este film, “Leviticus”. La producción australiana sorprendió en el Festival de Sundance, captó la atención de la distribuidora Neon y ahora ocupa nuestras pantallas con una fuerza inusual. El proyecto nació de una idea fija: transformar el rechazo social en una criatura tangible. Su realizador diseñó primero la metáfora y luego edificó la trama. Por eso el relato posee una cohesión interna tan fuerte. Todo encaja en este rompecabezas del miedo.
El largometraje comparte rasgos esenciales con el cine de terror contemporáneo de Oceanía. Pensamos de inmediato en obras recientes que usan el género para hablar de traumas colectivos. Hay una identidad clara en esas geografías desérticas, donde la hostilidad del entorno se traslada a las casas. Pues bien, la historia presenta a dos adolescentes que descubren el amor en un entorno hostil: una comunidad religiosa radical. El romance desata un castigo implacable bajo el nombre de terapia de conversión. Ese ritual violento despierta una fuerza oculta que adopta la fisonomía de la persona amada. El peligro habita en el deseo mismo... Cada caricia puede esconder la muerte.
La dirección de Adrian Kiarela esquiva los golpes de efecto tradicionales. El cineasta elige una fotografía digital opaca y movimientos de cámara casi imperceptibles. El horror surge del paisaje cotidiano, de esas calles industriales vacías donde los jóvenes transitan la condena de la soledad. El realizador filma los interiores con una opresión que quita el aire. Los pasillos de los hogares se vuelven laberintos hostiles. El verdadero peligro no proviene del más allá: viste la ropa de los padres y repite discursos piadosos en el desayuno.
La mirada sobre el conflicto central esquiva los trazos gruesos. La criatura ataca en el aislamiento, pero el encuentro físico habilita el engaño. El monstruo exige la anulación del afecto. No castiga una orientación específica: persigue la posibilidad del amor. Así, la película expandiría su alcance hacia una dimensión universal. El peligro no reside en la diferencia, sino en la intolerancia que busca congelar los corazones.
El elenco juvenil carga con el peso de la tensión dramática. Joe Bird ofrece una interpretación contenida, llena de silencios que delatan el pánico interior. A su lado, Stacy Closen complementa esa fragilidad con una determinación notable en los momentos de mayor exposición física. La versatilidad de ambas figuras resulta clave: deben mutar de la ternura adolescente a la amenaza absoluta en un parpadeo, dado que el enemigo copia sus rostros. Esa dualidad sostiene la intriga. Pasamos de la empatía al recelo en un segundo. Por su parte, la experimentada Mia Wasikowska encarna a la madre de uno de los chicos. Su intervención es breve, pero deja una marca indeleble. Esa mujer condena a su propio hijo con la convicción de una salvadora... Una imagen aterradora por su vigencia en el mundo real.
El guion tropieza en el segundo acto con ciertos recursos gastados, como la visita explicativa al personaje que conoce las reglas de la maldición. También el desenlace apura una revelación dolorosa entre los protagonistas. Sin embargo, el cierre recupera la dignidad. Los personajes eligen el peligro del abrazo antes que la seguridad del desierto afectivo. Es una declaración de valentía. El film no clausura las preguntas: prefiere abrir una ventana hacia la resistencia humana. Queda en el espectador decidir si el riesgo vale la pena.